Vem aí UM LIVRO! (assim em maiúsculas para fazer justiça ao meu entusiasmo).

Nos últimos meses tudo o que tenho pensado e escrito tem sido canalizado para diversas instâncias académicas, que têm bastante apurados o controle e a capitalização (voilá!) do conhecimento científico. Mas em seminários, conferências, blogues ou livros, lá se vai arranjando forma de tornar a discussão mais aberta.

Portanto, vem aí um livro. Apesar de ser um projecto com características razoavelmente inéditas em Portugal, será um grão de areia, evidentemente.  “AS PRODUTORAS” tem a pretensão (!) de contribuir para o (re)conhecimento dxs produtorxs e gestorxs a trabalhar nas artes performativas, o mesmo é dizer: procura criar condições documentais para que sejam integrados na história das artes performativas. O lançamento está previsto para Março. Ainda faltam peças, mas vou alinhando os copinhos de aguardente.


Image taken from the Rekto.Verso article quoted below.

Every time I thought I’d got it made
It seemed the taste was not so sweet

David Bowie

escrevi e falei sobre isto noutros momentos e contextos, mas esta é uma conversa que começou há pouco e ainda precisa de muitos serões e de muitas transformações antes de se esgotar. É um tema que motivou, em grande medida, a minha decisão de parar temporariamente de trabalhar e que ocupa o centro da investigação a que me dedico actualmente. O que fazer com a ideia e a prática de gestão cultural que herdámos do final do século XX e a partir da qual desenhámos e conduzimos os nossos projectos? Como foi exactamente que nós – os artistas e os que com eles trabalham – sucumbimos à ideologia do crescimento e do sucesso? E agora, que já sabemos?

Ando ocupada a tentar responder a estas interrogações – e a lidar com a crise de identidade que provocam. Na semana passada este artigo teve alguma circulação nas redes sociais em Portugal (bom, pelo menos na minha bolha), o que pode querer dizer que há mais gente a querer ter esta conversa. Que bom. Se vos escapou o artigo, convido-vos a lê-lo agora. Tenho pena do título algo infeliz, que revela um entendimento passadista do que pode ser um museu (contrapondo-o a um centro de artes ‘dinâmico’), e é indicativo das trincheiras disciplinares em que continuamos enfiados. Mas o essencial da leitura é mais do que pertinente. Diz a Esther: “There is a great desire for an alternative.” Roger that.

How is this enough? Rethinking cultural management

“According to Jonathan, democracy requires slower decision-making. We have the right to hesitate, compare alternatives, reflect; and then decide. This makes everything slower.
Look, Jonathan told me – both of us still sitting in Washington’s lovely West Potomac Park – decision-making is incredibly fast in dictatorships. Without deviations or alternatives, everything is a sprint, said Jonathan.
It is necessary to put crossroads before people, says Jonathan. That is democracy.”
Gonçalo M. Tavares

Whenever I attend conferences or forums that gather many arts professionals, I ride the usual roller-coaster: one moment I’m thinking it’s-always-the-same-conversations-among-the-same- people and the next I’m having a breakthrough on a set of ideas or stumbling into an exciting project or person. Reshape Forum[1] in Lublin was no exception. There were moments I feared to be dragged into the perpetual spiral of complaints that hovers over these meetings rendering them completely useless. There were moments when I’d rather just eat my lunch instead of networking but still managed to chew and say something vaguely intelligent at the same time. On balance, flying the 3500 Km was well worth it this time. We heard some off-topic talks on futurism and even had the chance of interweaving the history of hope with that of religion thereby challenging many unquestioned assumptions that make us continuously look for …betterment? Not all of them were inspirational to me, but I did admire the gesture of inviting us to engage with other lines of reasoning, and to drift away slightly from the topics of our reunion, before our minds got to working in their usual professional/sectoral focused mode. It seemed pretty consistent that a project that aims to fundamentally ‘reshape’ so many features of the arts and culture sector was starting off by refusing the sovereignty of pragmatic approaches and by ditching linear thinking. I quote the excellent book by Hesters (2019) that Joris Janssens kindly offered me: “We cannot solve problems by using the same kind of thinking we used when we created them. (…) Strategizing is about more than finding the right technical solution. System change requires changing the way we look at the world and behave within it (…).”

On the second day, by the time I got to the Long Table I was supposed to make a contribution to – the one of ‘Fair Governance Models’, my head was spinning fast. I took it as a personal task to honour the experimental aspect of Reshape, and was keen on repeating the mantra: the bolder we are, the farther we get. I tried to channel the energy of my personal frustrations towards concrete proposals that this project could take up. Having been invited to do some of the initial talking, I was the first one walking down the avenue from frustration to transformation.

Working either as an external consultant or as in-house arts manager, I have always been involved with strategic thinking and planning, and helped devise and develop many organisations’ mission and work models. I have always been attracted to the ‘reverse’ of institutions, to examining the insides and questioning their core values and strategy. I have actually made an apparently successful career out of my alleged ability to help art organisations figure themselves out. But truth be told I was always slightly frustrated with the restricted scope of the change effectively implemented. After so many discussions, and envisaging so many different possibilities, the question for me was: how is this enough? Why does it seem to be enough for arts and culture organisations to come across as innovative without hardly ever actually innovating? Because let’s face it: innovating implies taking risks, and taking risks has become something that we avoid more and more, out of the politically correctness atmosphere or out of self-preservation instincts in a time of backpedalling of public funding for culture.

We are afraid of taking risks, as much as we are trapped in narratives of our own success. Our festivals are always incredible, the report always tells that the project went just great, we hire DJ’s to throw a party after a book launch every two weeks because we are cool and informal and open-minded – but are we really? These narratives of success are convenient for political support – which is arguably understandable if your funding ecology is unreliable (and almost everyone can claim to be in that position). As a director or a manager, you make decisions that ensure the financial sustainability of the organization, that is, you make sure you stay reliable for future public or private investment. But while this is justifiable, it is not necessarily the best we can do for the arts in the long term. Namely because it means our attention is always focused on those who fund us, not those whom we serve. Think of the all the meetings you hold, think about how your working time is used in terms of your different constituencies and you’ll reach the same conclusion I did. And I think that is happening in public institutions and among independent performing arts. It is the status quo.

Also, I was often confronted with huge contradictions between a politically-charged, ‘progressive’ public artistic discourse and internal work practices that offered no resistance to capitalist abuse. I became acutely aware of and challenged by the persistence of conservative aspects of cultural work: highly hierarchical, departmentalized, closed, fearful of innovation, self-exploitative. These traits are oftentimes not easily detectable:

(1) first off, because of the ‘passion mantra’, that we perpetuate ourselves as committed practitioners, by repeatedly putting in extra hours, by failing to preserve healthy boundaries between private life and work life and many times failing our family and friends, and ourselves, because of the deadline, the premiere, because of that special project. This is intrinsically connected with fair governance, I think, because as long as we keep doing it – and by we I mean senior practitioners with power, cultural managers, directors – we are condoning a system largely based on self-exploitation. So my first question would be: what can we do to take this seriously? What can we do in each of our organisations that can begin to change the work pattern of the arts?

But the passion mantra is not the only problem we need to address.

It is a difficult case to make [that art organisations work too often in a hierarchical, departmentalized, closed way and are generally fearful of innovation] also

 (2) because artists and cultural workers are intellectually aware of what’s acceptable or not to say in public, so, for instance, everyone in the arts will describe their work environment and ethos as highly collaborative. But many people who work in those same organisations will tell you – off-record – that it is not quite so. One of the things that currently interest me is to investigate to what extent – if any – has the explosion of collaborative practices in the field of artistic creation influenced the way art institutions work and the organizational models they adopt. If it can be said that the expansion of participatory practices in the arts can be partially explained as an exercise to resist neoliberal attempts to reduce art to consumption, as well as a yearning for social transformation based on an ethical stand, it is, therefore, legitimate to ask to what extent – if any – were the overall work practices actually affected by that trend. So you have to look closer: that an organisation runs a comprehensive outreach programme does not necessarily mean that its global governance is majorly influenced by a participatory ethos.

Criticizing departmentalization is also tricky: eventually you will hear about specialisation and professionalism. You’d want a press officer to deal with the press of course, we’re not amateurs. And we hold team meetings every Wednesday! So arguing – as I do – that we need to keep the professional, specialized workforce running evidently – but at the same time we need to figure out how to work together in a way that does not resemble corporate structures is very difficult. I dare you to make this exercise – it works in Portugal at least: close your eye and visualize the theatres and art venues that you know. Compare the offices of the directors with those of the production team, and the education and outreach team, etc. Compare their size, the decoration, the number of windows, the level they’re situated in the building. Can you see what I am talking about?

But let us focus on how do we transform our frustrations into possibilities? There are many more critical points from which to begin with, but these are two concrete changes I would like to propose for in depth discussion: (1) changes in the management models used in running performing arts organisations and (2) a reconsideration of the role of arts managers. Needless to say these two dimensions of change go hand in hand.

(1) Making changes in the management models means changing our role models, given that we tend to adopt the management practices and the organizational models that are prevalent or presented as successful. In my view, that involves refusing the rule of best practices as role models. To allow for risk-taking, we need to allow for difference. Speaking from a small country that very often follows European trends, we need to encourage directors and teams to come up with the management model that they deem best fits their artistic, social and political circumstances. And we need to encourage policy-makers to do the same, instead of lazily adapting French and British cultural policy latest hit. We have to encourage local innovators and help leaders get rid of the fear that they are not ‘international’ enough. What makes a theatre house in Portugal ‘international’ is its ability to engage locally with the world, not how well travelled its director is or how many foreign shows it has in the programme.

I would like to see changes in the management models that have direct implications on the governance and leadership system, i.e., that admit the possibility of collective forms of managing cultural resources, recognizing right from the start the role of communities in the co-establishment of management rules. How this can be done at organizational level or at city level is one of the aspects I would like to discuss further.

A way to start thinking about these changes is opening up the organisations we run. Can we think of ways of organizing a team with different skills in a less hierarchical way? Why should the organizational chart of a cultural venue be so disturbingly similar to that of a profit-oriented enterprise? Can we think of ways of allowing citizens an opportunity to influence the strategic thinking and future plans of their local theatre? Can we think that those opportunities are as valuable as the opportunities to take part in a participatory show involving members of the community? Can we go from project-based approach to participation to a systemic-approach?

This would be a noticeable advance in the access to culture paradigm, namely, as put forward by Barbieri:

– changing from a productive system traditionally split into creation, production, distribution, consumption, towards a hybrid system with a more flexible distribution of papers;

– changing from a sectorial system towards an interdisciplinary system;

– complementing the offer-focussed system (artists, cultural agents, venues) with a needs-oriented system (users, communities);

– progressing from a binary system (government-market; artists-audiences) towards a polycentric system;

– from an administrative system (vertical control, sub-sectoral departmentalization) towards a political system (in a broad sense of the word).

If we would go down this route, we would be looking at forms of government and management that – without giving away their share of the responsibility – would offer their support to hybrid management models that escape the excesses of traditional intermediation. This might seem too risky to try at governmental level, but I argue we could at least begin to apply it to public theatres, dance houses, cultural centres.

Apparently, the good news is that these changes are already taking place. “In practice, in the field today, there are various artists, art workers and organisations involved in developing new working models that strengthen artists, redesigning organizational processes in order to create and shape fairer working relationships. They are forging new connections between activities, resources, people and organizations.” (Hesters, 2019:14).

Needless to say, in a country as Portugal for instance, with a fairly recent democracy and a social welfare system that never quite reached the stability of other countries, the possibility of relieving the state of its responsibilities is pretty scary. But if we are willing to embrace these changes we need to keep in mind that it is not about diminishing the role of the State in culture, but, quite the opposite: it is about amplifying it, by means of effectively materializing the cross sectoral nature of culture. We need of course further research on the implications of all of this in public policy-making, but the prospect of a work ecology in the arts that goes beyond the managerial model is stimulating enough for us at least to consider these possibilities.

(2) We should rethink the role of an arts manager: cultural management today is tending dangerously towards the utilitarian realm, focusing almost exclusively on operational management.

Very often, changing things around means changing yourself first. It is excellent that the profession of cultural manager has developed amazingly into a state of almost maturity and legitimacy, but it can be argued that cultural management “(…) has developed into a field where reaction rather than pro-action is the norm with little reflection upon how its practices fit within a larger context.” (Deveraux, 2009:156) It is therefore important that we are able to make a distinction between the focus on the how-to-do (how to write a grant, how to manage an European project, how to implement a successful audience development campaign, etc.) and a type of cultural management that is at the same time focused on a wider range of conceptual issues. We are in urgent need of a “ (…) critical examination of cultural management practices in order to understand the epistemological, ethical and conditioned assumptions that underpin them, (…) the accepted ways of doing – and what makes them so acceptable – and the deeper structures that such ways of doing reveal.” (Deveraux, 2009: 157)

There is both a growing uneasiness on the part of some cultural managers that are reflective practitioners (where I include myself), and a note of acrimony creeping into the perspectives of artists upon these professionals that we must pay attention to.  Hester (2019:42) sums it up quite efficiently: “There is something fundamentally wrong when professional sectors, in which work is conducted in diverse kinds of vocations and in diverse kinds of institutions, function in such a way that precisely their most central players cannot succeed in living from their professional practice. When at the end of each month, successful and recognized artists still find themselves below the poverty level, it is an important signal that the entire internal system of working, collaborating, remuneration and social protection is due for a revision.”

Could it be that we are reluctant to interrogate our professional practices and their underlying assumptions and codes because we are anxious to see our recent profession legitimatised and valued? Could it be that we fear that an attitude of systematic questioning of our codes of practice and working models threatens the development of our careers?

To this background I posit that cultural management needs to assert itself not only as a set of technical action-oriented skills, but also as an intellectual practice and, assuredly, as a field of inquiry. The urge to professionally establish an emerging field may have justified an excessive results-driven perspective – akin to prove its worth in the artistic sphere but the time has come to correct that imbalance. There is a case to be made that arts managers need to engage with critical thinking, anthropology or political science at least as much as they engage with marketing or audience development.

Both Henze (2019) and Deveraux (2009) postulate that this penchant for business and administrative expertise may have been encouraged by the arts management study courses, which seems an allegation worth proving via further research.

Artistic production processes are in fact not neutral – so they can hardly be reduced to technicalities – and they need to be inscribed in ethics and solidarity. It is not possible to say that management does not make social or political choices. “Cultural management today is also a moral issue.”, as Argentinian Guillermo Heras rightfully points out.

To sum things up, I would say we, cultural managers, face two immediate challenges: one is to transcend cultural management’s ontological phase (obsessed with defining what cultural management is) and another one is stop mimicking the administrative model, and getting rid of its managerial orientation, preventing us from being perceived as art’s modern little technocrats.

Conclusion, that is, a new beginning for cultural management

In my view, devising a new role as cultural managers means, among other challenges, the ability to replace the competition paradigm with a collaboration paradigm, by sharing processes and knowledge and stimulating horizontal learning; the ability to manage time, of course, but resisting acceleration and fragmentation; to manage money, of course, but in a way that resists the competitive spiralling which makes artistic processes come too close of other productive processes working in a capitalist matrix; the ability to be vigilant of generating hegemonic success narratives around the projects you champion; to question the established working models and fight for democratic management practices and fair work conditions for all stakeholders involved in the artistic processes; to devise a professional yet intense relationship with artists, avoiding the technocratic pitfalls and easy stereotypes; to deepen the level and the quality of citizen participation in cultural activities and in the governance of public art institutions; to actively engage in international dialogue towards more solidary and cosmopolitan societies; and to inscribe their action in ethics and solidarity and make sure the governance models of your organisation are in line with the moral values you uphold.

We keep saying the world is changing at a dizzying pace but we tend to hold on firmly to our ways of relating to it. It’s time to admit that linear mind-sets – and the hierarchical systems and structures they give rise to – are not fit-for-purpose in a non-linear world. With these brief thoughts I hope I have challenged you to reconsider notions of risk, success, collaboration or hierarchy, and come up with ideas that make a conceptual and practical turn on cultural management that reconciles our present actions with our imagined futures.

[1] RESHAPE is a research and development project that brings together arts organisations from the Europe and the South Mediterranean to jointly create innovative organisational models and reflect on concrete answers to crucial challenges related to the production, distribution and presentation of contemporary art practices. More information can be found online at

If you’re not mad, you’re not paying attention.

No final deste mês vou até à Polónia, participar num encontro de pessoas que trabalham e pensam nas artes e estão interessadas em fazer ‘reset’ ao sistema no qual estão inseridos. Vou ter oportunidade de partilhar parte da investigação que tenho vindo a desenvolver e que aqui em Portugal ainda não comecei a tornar pública e a discutir (chegará o momento). Também me pediram para ser agent provocateur de algumas mesas de debate. Acho que nem sabem que esse é o meu disfarce de carnaval favorito, é sempre fabuloso ter carta-branca para esbravejar. Adoro que me paguem para eu elaborar sobre as razões da minha fúria. More on that soon.

(Por falar em polacos, saiu há poucos meses a tradução da biografia do Kapucinski, na Assírio, mesmo a calhar.)

Para quê viajar

We are creatures of private convention. But we are also the ways in which we enlarge our coasts.
Teju Cole, Strange and Known Things

Para escapar ao inverno

para escapar à mesmice

para escapar ao trabalho

para afastar o azedume

para aprender

para ver

para ver

para ver

(e há a comida para provar.)

Para carregar as baterias do optimismo

para carregar as baterias do pessimismo

para ouvir outras línguas dizerem as mesmas coisas

para treinar o deslumbramento

para nos pormos à prova

para praticar o amor e uma cabana (há wi-fi?)

Viajamos para confirmar a nossa insignificância, e para espantar a estupidez. Se correr bem, viajar deve pôr tudo em causa: os nossos sentidos, sabores, hábitos, sistemas de crença, a nossa sensação de segurança e o esquema instável de condicionamentos e escolhas em que se traduz a nossa vida. Se correr bem, devemos querer sempre mudar-nos para os sítios que visitamos. (O efeito depois passa, quinzena vai, quinzena vem.)

Aqui no Chile senti essas coisas todas, apesar de estar confusa porque já não sei onde estão as linhas que correctamente separam o turismo da viagem, nem sei se viajar continua a fazer sentido, pelo menos para tão longe (ou só se for para tão longe?). Preciso de doses cada vez mais elevadas de relativismo cultural e moral para verdadeiramente acreditar que tudo pode mudar de cada vez que levanto num Airbus 340. Também há quem diga que a próxima tendência das elites urbanas e eco-conscientes, no que a viagens diz respeito, é, justamente, não viajar: . Até já há uma designação para isso, fly shame. Não é que me convençam os argumentos, mas é difícil ficar completamente indiferente às implicações ecológicas, económicas e sociais das nossas deambulações por um planeta em colapso evidente. Ainda para mais, estes movimentos já chegaram às bolhas privilegiadas de que também faço parte, pondo em causa as viagens profissionais para conferências ou festivais. Ups. Em todo o caso, mesmo que bem intencionados, são sempre de desconfiar estes movimentos que castigam os comportamentos individuais. Pergunto, como quem cospe para o ar: a sua proliferação não suscitará, perversamente, um apaziguamento das consciências colectivas, fazendo de nós comprometidos carregadores de sacos recicláveis, incapazes de defender rupturas sistémicas que realmente invertam a lógica expansionista em que vivemos (e na qual a vertigem da viagem se insere)? Que grande chatice, que ainda me falta tanto mundo para ver.

Tiro sempre poucas fotografias, mas asseguro-vos que vi:

Muitos reclamos de pneus

Árvores recortadas de todas as formas possíveis


Muitos lagos, maiores que os da Suíça ou assim me pareceram pelo menos

Muitas casas bonitas de madeira

Muitas varandas

Uma cidade a destilar charme

Muito lixo por apanhar

Um número improvável de cães vadios

Bancas de mote con huesillo a cada 500 metros

Pelo menos uma boa exposição

Mais do que muitos centros culturais que apetece frequentar

Lama e chuva, em doses dispensáveis

Turistas do tipo previsível, em doses dispensáveis



gado a pastar

gado a dormir

gado parado no campo espantado com a nossa pressa

Pick-ups Mitsubishi

Pick-ups Toyota

Também nadei ao pé de um vulcão, e isso emocionou-me mais do que estava à espera. Quis estender a mão e reler O Amante do Vulcão da Susan Sontag, que é maravilhoso, mas, lá está, os meus livros estão a 11 mil quilómetros de distância, ou queres conveniência ou queres desapego, nunca nada está perfeitamente afinado.

Escrevi dois pedaços de texto em forma de lista, sem ter tomado essa decisão formal. Usar listas na escrita é um estratagema batido, embora se for bem feito possa ter a sua eficácia. Julgo que precisam de ser bem longas, e ter um ritmo precipitado, para provocar a adesão do leitor. (A adesão do leitor!) Não conheço as razões dos outros, mas acho que eu escrevo por excesso de amor-próprio. (A minha mãe confirma de certeza).

Um dos meus hobbies é resmungar a propósito dos textos mal escritos, mal pensados, de vocabulário preguiçoso. Nesse mundo das expressões eficientes, os silêncios são sempre “ensurdecedores” e “extraordinário” e “absolutamente” são panos para todo o uso. Estas imagens, expressões, metáforas, funcionam assim: não dão trabalho, saem baratas, são inclusivas, isto é, todos as entendem, proporcionam um efeito imediato no leitor e emprestam a quem escreve um certo ar de capacidade expressiva. Só que não duram mais do que o tempo que demora a lê-las porque como já as lemos em milhares de sítios não as associamos a sítio nenhum. O timing (quer dizer: o tempo conveniente a alguém) é que manda, mesmo que o trabalho do pensamento e da linguagem não esteja terminado. Time is now. Publique-se. Hype is the new lingua franca. ( mais Teju Cole)

Um catálogo realista das nossas viagens não interessa a ninguém. No filter, no glory. Acho que vou continuar a viajar mesmo que não saiba para que é que serve e que demore depois sempre uns meses a liquidar o visa. De vez em quando vou por fotos, e legendas disto, e isto, isto, isto e mais isto, porque o mundo está cheio de coisas para catalogar. Escapar à vulgaridade fica para a próxima. Para a próxima esforço-me mais, e faço uma lista melhor e maior. Melhor e maior, para a próxima (tudo). So long, Chile.

guia prático do trabalhador português (versão 2019)

Estou dentro daquela nuvem do paracetamol, a sair da constipação anual. Veio cedo, porreiro, fica resolvido. Pus-me a pensar neste arranque de ano, tão bestial, cheio de dias luminosos, e amor, mais o sorriso dos amigos e a antecipação de viagens e projectos.

Entretanto, trabalha-se. No meu caso, num artigo sobre os modos de trabalhar nas artes, há-de aparecer por aí em breve e prometo que vai incomodar um bocadinho, e nas entrevistas para o livro dos produtores, uma série de retratos sobre estas atarefadas e invisíveis criaturas. (De vez em quando faço intervalos para passar a ferro, que é uma gigantesca perda de tempo, mas a minha educação pequeno-burguesa impede-me de encarar a vida com vincos.)

Sou da geração que tem imensos ‘projectos’, que é a linguagem que adoptámos para não se notar muito que não temos futuro, só ‘presente expandido’, como diria o André Barata. “E se parássemos de sobreviver? Pequeno livro para pensar e agir contra a ditadura do tempo” é um livrinho recente dele, muito recomendável para começar o ano. Chega de artigos sobre o burnout, o uber-work, os benefícios da meditação e do pão de fermentação natural. Não há atalhos: ou estamos disponíveis para oferecer resistência ao híper-produtivismo, ou não estamos. Aviso que tem consequências: menos likes, menos oportunidades, menos beijinhos.

*A fotografia foi tirada na exposição ‘Editor de Vanguardas: Fernando Ribeiro de Mello e a Afrodite’, visitável até ao fim do mês de Janeiro na Biblioteca Pública Municipal do Porto, ao Jardim de São Lázaro. Uma pequena delícia.

Elogio do mês nove

Elogio do mês nove
Sou leão de Julho com um fraquinho por Setembros. Por verões que esticam, livros novos, regresso dos espectáculos. Em miúda lia os manuais escolares todos antes do começo das aulas. Ainda não se usava a palavra ‘nerd’, era mesmo só pascácia. Ler aquilo tudo de rajada era uma excitação. Depois a partir daí era sempre a descer, porque o quotidiano das aulas não estava à altura daquela novidade. (E, para além disso, fui à escola no tempo da democratização, em que ninguém ligava pevide aos bons alunos. Era preciso ‘puxar’ pelos mais fracos e portanto nunca íamos ao quadro, nem ninguém nos perguntava pelos trabalhos de casa, e era comum sentarem-nos ao lado dos alunos que precisavam da nossa ajuda, para os ajudarmos a recuperar as notas. Nunca fiz as pazes com esse método de ensino visionário mas namorar com alguns rufias foi muito útil para a minha formação moral. Fechar parêntesis).
Em Setembro ainda dá para mergulhar no mar um par de vezes; para passar fins de tarde na Feira do Livro, à hora em que as luzinhas na Avenida das Tílias se acendem e livros e árvores combinam no encanto. Dá para ir a pé sem apanhar chuva ao Trindade, ver bons filmes e namorar, e pensar. Daqui a nada o tempo fecha e só nos salvam os livros e o whisky. Outra coisa em que Setembro é excepcional é na disponibilidade para fazer grandes planos. Eu já tenho dois: em 2019 haverá uma grande viagem ao Chile e um livro. Também faço 40 anos mas isso não é produto do meu planeamento, senão não acontecia. feira do livro

Uma terceira coisa


Uma terceira coisa
Além de me pôr a pensar no teatro que se faz hoje, e no teatro que se faz hoje no Porto, o “M’18” da Estrutura (Rivoli, 25 e 26 de Maio) trouxe-me o incómodo de uma comichão pessoal. Já lá vou, quando acabar de atender este freguês. Primeiro, o espectáculo, profissionalíssimo: eles parecem conseguir captar (apropriar-se?) um certo espírito millenial de hiper-relativismo e hiper-conexão em que o teatro raramente é feliz, e aqui é-o. O pior destes exercícios costuma ser a sensação “ah, é como um episódio do Black Mirror mas em teatro”, o melhor é quando ficam mais perto da formulação de uma linguagem que também pode ser teatral, porque não? Música, figurinos, etc etc, parece tudo no sítio, é tudo assumidamente estilizado, mas a proposta é consistente do início ao fim. Exceptuando o texto, que para mim tem fragilidades de púlpito aqui e ali que se dispensavam, tudo o resto habita o aquário do século XXI de forma admirável: hiper-sexual, hiper-individual e politicamente à deriva. Eles não querem ser o “o oprimido nem o opressor” (mas à saída dão-nos um paralelo…) não sabem se são filhos da revolução, ou netos, herdeiros ou carrascos. Não querem isto nem aquilo (esquerda nem direita?), querem ‘uma terceira coisa’. É isso mesmo que é a tarefa deste tempo, se calhar.
Normalmente não me fascina o universo político sem utopia nem distopia, mas essa ‘terceira coisa’ pode vir a ser útil, se for mais além do que, até agora, o relativismo pós-ideológico foi capaz de ir. Depois do encolher de ombros, trade mark dos pós-modernos, uma coisa nova para desejarmos? Pode ser o melhor que está a acontecer-nos, o futuro também deixar de ser binário.
Tenho perdido umas quantas horas a pensar na falta que fazem umas borrifadelas de bom-senso para cima da malta. Dou por mim a desistir de certas conversas, porque onde antes havia uma boa discussão, farpas para lá e para cá, já só vejo prepotência, agressão e entrincheiramento. O espírito crítico fugiu com a cunhada e agora é só crítica, sem espírito nem inteligência vigilante. Quem acusa é que sabe, sempre. Se não acusas és idiota, ou colaboracionista, o que é pior, claro. E não culpem as redes sociais: é verdade que permitem uma amplificação estupenda das opiniões pronto-a-comer mas não são elas que fabricam os pistoleiros.
Discordo de quem concordo e concordo cada vez mais com as posições daqueles de quem discordo. É uma chatice e um paradoxo tramado. Ou é o começo de uma coisa nova, que ainda não sei nomear. M’18?

Plano de Ruminação


Na minha inclinação peripatética tenho acumulado quilómetros entre o enclave das Belas Artes e o mar: vou fazendo a fotossíntese, calcando a cidade e arrumando ideias, mas de cada vez que regresso a casa a arrumação piorou. A lista das ruminações recentes foi trabalhosa. Felizmente o Porto foi entretanto campeão e andei a agitar cachecóis e a espantar irritações, que a alegre coboiada também serve o escapismo intelectual. Por isso, ficam a reflexão sobre o encontro do IETM no Porto e outras incursões sobre a amada nação cultural enterradas debaixo do pontapé do Brahimi e das lágrimas do Sérgio Conceição. Em vez disso, estou aqui de porteiro de mais uma ego-trip para partilhar as chatices com que me vou ocupar no doutoramento. Quem quiser sair, é agora, a partir daqui fica chato.
Expor sucintamente o ponto de partida de um objecto de estudo é sempre redutor, mas parto para esta tarefa determinada a fazê-lo de forma aberta e dialogante, pelo que prefiro correr os riscos da exposição necessariamente fragmentada do que alimentar o monstro na torre de marfim. Não podia, aliás, ser de outra maneira, porque me propus trabalhar no pressuposto de que a investigação sobre artes tem uma autonomia epistemológica que deriva da própria natureza do trabalho artístico (sigo a talentosa Steyerl) e se caracteriza por um compromisso primordial com a produção de conhecimento útil aos artistas e aos que com eles trabalham. Isto passa por assumir o carácter híbrido da gestão cultural e dos estudos artísticos e, nessa medida, procurar ser orientada por uma visão devedora da visão dos artistas, integrando as narrativas produzidas pelos próprios sobre o seu trabalho, seja de forma directa, através das suas obras, seja indirectamente, através dos seus testemunhos. Será um esforço simultaneamente ético e estético: ético, porque habilita a própria produção artística para a construção do conhecimento que lhe é dedicado; estético, porque suspeito que a idealização formal própria dos artistas pode originar formulações novas quanto ao objetivo da pesquisa (ultrapassando manuais de gestão das artes reciclados da gestão empresarial). Posso estar errada, claro, o que também dá uma certa graça a isto tudo.
O ponto de partida, portanto, é o seguinte:
Aturdidos pelo pragmatismo hegemónico, os artistas e os que com eles trabalham parecem (ter de) investir toda a sua energia no contínuo combate ao subfinanciamento da actividade artística, na denúncia das situações de precariedade em que o sector largamente assenta, no questionamento dos modelos de apoio público à criação e difusão, entre outros aspectos de ordem operacional. A estes debates, decisivos, gostava de juntar o questionamento dos próprios modelos de criação, organização e trabalho dos artistas, os seus pressupostos e a natureza das relações entre pares que se têm vindo a estabelecer. Tal significa que, claro está, é urgente atender às condições do trabalho criativo em Portugal, mas também que, ao invés de analisarmos o comportamento das estruturas e dos artistas face às mutações do sistema artístico institucional (nas suas dimensões laborais, legais, económicas), queremos olhar aprofundadamente para o que se passa dentro das estruturas de criação. Não dispensando o aparato das políticas culturais e suas implicações para a estruturação do tecido artístico, interessa-nos compreender motivações e decisões individuais: porque fundamos e mantemos companhias de teatro e dança? Como as gerimos? Ou, dito de outra forma, de que modo se intersectam os regimes de criação e de produção?
Ao incidir sobre a dinâmica interna das organizações artísticas, estamos também a questionar a ideia de que, por se tratarem de entidades sem fins lucrativos, estas se orientam necessariamente por um padrão democrático nas suas práticas de trabalho e a sublinhar que a análise das condições materiais do trabalho artístico não é suficiente para compreender a sua complexidade ou algumas transformações importantes que o afectam: a crescente presença de gestores e produtores culturais trabalhando a par dos criadores, a emergência da crítica ao modelo individualista do artista-virtuoso-empreendedor, os sinais de esgotamento do modelo clássico de companhia, a contaminação crescente entre sistema institucional/projectos alternativos, ou a expansão das práticas colaborativas, por exemplo.
Partilharei mais detalhes em breve, mas, se não tiver sido engolida pela retórica, terá dado para perceber: a investigação centrar-se-á no estudo da forma como artistas, programadores, produtores e gestores culturais se organizam para trabalhar hoje, em Portugal, nas artes performativas. O desafio concreto é perspectivar novos modelos de colaboração entre os que produzem arte, os que acompanham quem a produz e a formulação de políticas culturais. Se me virem na rua e parecer distraída, ando a pensar nisto.



Ainda bem que António Costa encontrou mais dinheiro para a cultura, porque ele é absolutamente necessário e merecido face ao trabalho que este sector desenvolve e aos impactos que gera (tal como o de todos os outros trabalhadores portugueses, nem mais nem menos).

Ainda bem que António Costa mantém a confiança no Secretário de Estado, porque o Miguel Honrado é, de longe, um dos mais conhecedores e comprometidos governantes que esta área teve em muitos anos.

Ainda bem que a ‘carta aberta’, mesmo que admitindo falhas e necessidade clara de melhoria, sublinha a legitimidade dos concursos  – para caos já basta o actual.

Ainda bem que a união determinada, mesmo que temporária, dos artistas e agentes culturais resultou numa exigência atendida – sinal de que, ao contrário de tempos recentes, criticar é uma forma legítima de participar na vida democrática e é dever de quem governa estar atento à crítica.


Que o dinheiro tenha vindo – e seja exclusivamente justificado – como resultado da ‘extraordinária dinâmica dos concursos’ é uma desolação. Isso significa que se o júri tivesse atribuído pontuações mais baixas, abaixo do limiar de elegibilidade, não havia necessidade de reforçar o orçamento da cultura? É que todos sabemos que não são só as “companhias”, barulhentas, que precisam de dinheiro. Desde logo, o próprio Ministério da Cultura precisa de meios, por exemplo, para reforçar e qualificar a acção das Comissões de Acompanhamento, uma exigência de proximidade que está em praticamente todos os comunicados e manifestos emitidos. No campo da coesão territorial, e da articulação com a programação cultural descentralizada, está quase tudo por fazer, e – como ficou à vista – não são umas percentagens encavalitadas em cima dos montantes regionais que vão resolver o problema. E muitas outras áreas de intervenção no campo da cultura – e da intersecção entre cultura e educação, em que não há nenhuma novidade – vivem situações de penoso sub-financiamento.

É, claro, Senhor Primeiro-Ministro, que o orçamento não deve ser o único tema de discussão. Mas quanto pagamos por uma coisa continua a ser, em certa medida, uma expressão do valor que lhe atribuímos, e o facto de só ter decidido investir mais na cultura quando os protestos se tornaram desconfortavelmente mediáticos, é fraco consolo para quem anuncia ver na cultura uma centralidade inequívoca. É uma pena que, politicamente, esta não tenha sido a oportunidade para corrigir o evidente desacerto: a cultura continua sem um orçamento à altura da importância que lhe é politicamente imputada.

Dizê-lo não é menosprezar a acção de hoje, nem todas as acções deste governo em matéria de cultura. É precisamente por essa capacidade e compromisso que este governo anuncia que temos de exigir mais, e melhor. Não estranhe por isso os protestos: são de exigência, não de desvario.